XÈNIA

Cindy Sherman

Estats Units, 1959: fa servir dues eines per al seu art: la fotografia i a si mateixa. Un dia va girar la seva càmera i va veure que fent fotos d'ella mateixa podia parlar dels temes que li interessaven: el paper de la dona, el paper de l'artista, la identitat ... Però les seves imatges no són per a res autoretrats ... Són arquetips, clixés, imatges ambigües i miratges típicament post-moderns. Molt aviat descobreix que tot el que ha de comptar ho pot fer traient fotos de si mateixa, no com un autoretrat, sinó representat papers de tota mena, creant personatges, fabricant identitats. Són paròdies i suplantacions, subversions d'obres alienes, sèries interminables de la seva camaleònic paper com a dona. Són mons de fantasia presos del cinema o d'altres arts. Són manipulacions que de vegades semblen sorprenentment reals. Va ser també important per al moviment artístic feminista en donar-li protagonisme al cos i la psique femenina, o en criticar la feminitat patriarcal, o en mostrar la redirecció imaginària de la dona en una societat governada per homes. o al mostrar forçada a interpretar el seu gènere.

 

 

Rudolf Schwarzkogler: Encara que els seus primers treballs són pintures i gravats, en els que poden apreciar la influència de l'expressionisme austríac. Rudolf Schwarzkogler es va centrar sobretot en el camp de la performance. Aquest artista austríac, que va morir amb tan sols 29 anys al caure al buit des d'una finestra, va estudiar a l'Escola d'Arts Gràfiques de Viena que va abandonar abans d'obtenir una titulació. A principis dels anys 60 comença a relacionar-se amb els principals representants de l'anomenat accionisme vienès, un moviment / col·lectiu que va agitar la conservadora escena cultural i artística austríaca de l'època amb propostes performatives provocadores i catàrtiques en què el cos es feia servir com a camp i matèria d'acció i manipulació. D'alguna manera, l'accionisme vienès va ser un moviment avantguardista en un país que havia mancat d'avantguardes en les primeres dècades del segle XX i que continuava traumatitzat per la seva aliança amb el nacionalsocialisme alemany durant la II Guerra Mundial.
Les accions de Rudolf Schwarzkogler, que potser tenien una intenció més simbòlica que la dels seus altres companys, seguien un detallat guió previ, es realitzaven sempre en espais tancats (en molts casos, el seu propi apartament) i eren registrades en fotografies. Són accions desconcertants que no semblen regir-se per una lògica racional i en què el cos de l'artista ocupa un lloc central. A causa de la seva primerenca defunció només va dur a terme sis.

 

 

G.Brus:1938, Àustria, que s'inicia amb les pintures informals realitzades a principis dels anys seixanta, atorga un protagonisme central a les revolucionàries accions que va dur a terme entre 1964 i 1970 i inclou una secció dedicada als dibuixos, pintures, llibres d'artista, Bild-Dichtungen (quadres-poema) i dissenys per a teatre fets per Brus des de 1971 fins a l'actualitat.
El 1960 Günter Brus va tenir la primera trobada amb la pintura informal a partir d'un viatge a Espanya, durant el qual va quedar impressionat amb l'expressionisme abstracte americà, que va descobrir de la mà d'una artista nord-americana instal·lada a Mallorca. Aquesta influència, la troballa de Goya, un artista al qual se sentiria lligat des de llavors, i el seu extremat interès per l'estructura de la música contemporània, van exercir un paper rellevant en la seva nova concepció de la pintura.
Per primera vegada es va referir al quadre com un "esdeveniment". La pintura havia de traduir el corporal al visual: el quadre ja no representava el món, sinó que havia de contenir-en si mateix. A partir de llavors, Brus es va concentrar en la seva motricitat durant l'acte de pintar i va començar a treballar a terra esquinçant el paper amb traços de llapis limitant la gamma cromàtica al tou i negre i evitant qualsevol il·lusió de profunditat. El següent pas va consistir a ampliar l'espai pictòric a l'espai que l'envoltava, tendint draps i cordes a través de tota la sala, formant un espai laberíntic sobre el qual llançava la pintura com "un torrent", descentrat i trencant qualsevol idea de composició tradicional.

 

 

Otto Muehl: L'artista austríac Otto Muehl, un dels majors exponents del moviment 'Accionisme Vienès', que va escandalitzar amb les seves pràctiques sexuals en una comuna a l'illa espanyola de la Gomera, ha mort avui a Portugal, als 87 anys, ha informat l'agència austríaca APA . Al costat de Hermann Nitsch i Guenter Brus, va ser un dels representants més coneguts de l'anomenat moviment accionista vienès, en el qual el cos de l'artista i les seves funcions feien de material. A finals de la dècada de 1960, la protesta d'aquests artistes contra el que consideraven un limitat concepte burgès de l'art a Àustria es va convertir en un intent de barrejar la vida i l'art.
Amb el seu rebuig al "quadre", les seves escultures de trastos, collages i accions, Muehl va ocupar una posició protagonista. Enmig d'aquest moviment, en la dècada de 1970 va fer un pas més en la idea de portar "l'art a la vida" en fundar la Comuna a Friedrichshof (Àustria) sota el nom de Organització d'Anàlisi Accionista.
En ella va intentar experimentar la llibertat sexual, la propietat col·lectiva i el foment de la creativitat de cadascun dels seus individus. El col·lectiu va arribar a comptar amb més de cinc-centes persones d'una dotzena de països i una xarxa d'empreses.
A partir del 1988, la comuna va tenir una altra seu a l'illa de la Gomera, a l'arxipèlag espanyol de Canàries, en una antiga plantació de plàtans anomenada "El Cabrit". Es tractava de l'intent de crear un art "vivible" i un món sense repressió política ni sexual, que va resultar un rotund fracàs.

 

 

H.Nitsch: és un artista vienès nascut el 1938 que va inventar i va desenvolupar el concepte de "Teatre de orgies i misteris", unes accions col·lectives que representaven rituals antics, en els quals les forces de la natura, els més profund de l'ésser humà i l'espiritualitat es fonien en una orgia mística. No obstant això, eren molt criticades pels ecologistes, ja que sovint es sacrificaven animals. Aquestes protestes no amedrantaron a Nitsch, el qual va seguir amb la seva pintura, el seu teatre i la seva música experimental.Està associat als accionistes vienesos causa de les seves pintures abstractes i alhora brutals.
Pictòricament, el més destacable de Nitsch és que sol pintar amb sang i amb vísceres d'animals. Els seus quadres són extremadament impactants, sobretot per a les persones d'estómac sensible (demano perdó per endavant per les imatges que apareixen és aquest article) i obre, artísticament, a persones i animals, deixant a la vista els seus òrgans interns.

 

 

Orlan: és una dona que va voler convertir-se en una obra d'art viva, tot és aparença. Ni el seu nom és Orlan, ni el seu rostre és la seva rotre, ni el seu cos seu cos. El veritable nom d'aquesta artista, nascuda a Saint-Etienne el 1947, és Mireille Suzanne Francette Porte. En el seu aspecte, amb els cabells cardat en blanc i negre, sense celles i amb dos embalums que pretenien ser banyes a les temples, poc queda de la jove que un dia va ser. No en va Orlan va voler convertir el seu cos en el llenç sobre el qual experimentar la seva peculiar visió de l'art i del món a través d'una de les performances més radicals que mai s'hagin fet. Si ho va aconseguir o no és una cosa discutible, però no hi ha dubte que el seu projecte va marcar un abans i un després pel que fa als límits de l'art i fins on hauria d'arribar a sacrificar-un artista.
Des que s'iniciés en l'art en 1964 amb la seva Marxa a càmera lenta, com un preludi del maig del 68, Orlan va anar realitzant diverses performances més o menys impactants. Entre elles, va inventar la seva pròpia unitat de mesura, el Orlan-Cos, que va usar per mesurar ni més ni menys que el Vaticà. Però la culminació del seu art va arribar el 1990 amb el seu La reencarnació de Sant Orlan, una obra amb la qual Orlan inventa el concepte del Carnal Art. En ella l'artista se sotmet a nou intervencions quirúrgiques per transformar el seu cos en una cosa completament diferent, un ésser híbrid compost per trossos trets de diverses pintures o escultures. Totes obres representatives de l'art i de la bellesa de la dona. La barbeta de la Venusde Boticcelli, el front de la Monalisade Da Vinci, la boca d'El rapte de Europa de Boucher, els ulls de la Psiquede Gérôme i el nas d'una escultura de Diana. Una reinvenció del mite de Frankenstein. Set dones ideals que encaixen com un puzle en el seu propi cos. El seu objectiu era deformar el seu propi rostre a través de la bellesa suggerida per grans artistes per denunciar la submissió i en molts casos fins i tot esclavitud de la dona a uns cànons de bellesa determinats.
Cadascuna de les operacions es va convertir en una veritable representació teatral, recollida en vídeo o en fotografies, i dirigida per la pròpia Orlan, que romania conscient en tot moment, xerrant amb els cirurgians o recitant poemes. 

 

 

Wolf Vostell: Descobridor de la tècnica del decollage, pare del Happening a Europa i iniciador del moviment Fluxus i del videoart, Wolf Vostell va mantenir sempre en tota la seva producció artística una marcada originalitat, peculiaritat aquesta que també és pròpia del museu que porta el seu nom unit al de Malpartida de Càceres. L'obra de l'artista a Malpartida situa a l'individu que la contempla dins de les contradiccones que envaeixen la seva existència. Emprant tots els elements visuals i d'expressió al seu abast materials o de comportament, l'artista produeix un impacte en el receptor que coadyuga de la gran empresa humana d'obrir el pensament en totes direccions.
Des de la seva fundació, el Museu Vostell Malpartida va esdevenir una tribuna única en el seu gènere, que pot considerar-se de dialèctica, en accentuar la relació entre la visió particular del seu fundador d'Art i Vida, la Natura i la participació sinèrgica de l'espectador. Connexió confirmada per artistes, historiadors i teòrics de l'art, crítics i col·leccionistes que per mediació de Wolf Vostell van desitjar participar en aquesta aventura.

 

Chris Burden: Estats Units, 1946-2015, va ser un artista de performances i instal·lacions, i un d'aquests artistes que van treballar el body art, en el qual s'utilitzava com a material i eina principals el propi cos dels artistes. Burden va patir un accident de motocicleta quan era petit. Tenia 12 anys i va patir una operació sense anestèsia al seu peu. A saber si aquí va començar la seva relació amb el body art pel que fa a dolor.
Burden va començar a treballar en la performance a principis dels setanta. La seva marca personal era la idea de perill, sobretot perill autoinflingit, arribant a jugar-se la vida en alguna que una altra peça artística. De disparar-se a crucificarse en un Volkswagen, passant per tancar-se en espais reduïts durant dies, el seu art frega tant el ridícul com el sublim. Encara que cal dir per als més crítics i al·lèrgics al «contemporani» que Burden també va conrear l'escultura, arribant a crear peces d'una extraordinària qualitat, allunyades totalemente de les performance amb què es va fer famós.

On Kawara: La incògnita va dominar la vida d'aquest curiós artista, que mai va donar una sola entrevista i que en comptades ocasions va posar per a les lents dels fotògrafs -habitualment d'esquena-. El motiu de la seva borrosa identitat respon al corrent artístic del que va formar part en els seixanta. L'art conceptual que va emergir llavors buscava la despersonalització emotiva per arribar a una informació o idea pura. Kawara va centrar les seves creacions en el llenguatge del temps: les hores, els dies i els anys.
Today (Avui) és la seva sèrie més famosa. Consisteix en centenars de llenços de fons sòlid i pla (blau, negre, gris ...) que l'artista va omplir amb la data de la seva creació, escrita en tipografia simple i en la llengua local on naixien les mateixes. Jan. 4, 1966, llegia la seva obra primera, plasmada en el Nova York que va habitar més de mig segle. Va repetir el procés en incomptables ocasions, amb peces repartides ara en museus de tot el món.
Repetitives i a primera vista estúpides, les pintures eren però un reflex de la inevitabilitat de l'avanç del perpetu espai-temps. Amb una simple lectura, un podia saber en quin moment i on es trobava l'artista. Un codi simple i efectiu, una mostra que cada dia, cada data, pot tenir un significat molt precís per a certs individus.
De la seva escassa biografia, es coneix que Kawara va néixer el 24 de desembre de 1932 a Kariya, població de la prefectura d'Aichi. Influenciat per un entorn intel·lectual, va quedar traumatitzat pels bombardejos d'Hiroshima i Nagasaki el 1945. Els dubtes van portar a Tòquio, on va entrar ràpidament en cercles artístics de cert renom, cosa de la qual posteriorment va fugir. Esquiu i anònim, en aquesta primera etapa va produir obres relacionades amb el desastre nuclear. El 1959 va escapar amb la seva família a Mèxic, va estudiar en escoles d'art i va descobrir el país. El 1962 es va mudar a Nova York per explorar les tendències del pop art i, abans de tornar a la que seria la seva ciutat, va passar un temps a França i Espanya.
Més enllà de les seves contundents dates, l'artista va investigar altres mètodes de simplicitat expressiva. A la fi dels seixanta va començar a enviar telegrames a amics i col·legues -gairebé a diari- amb un missatge clar i directe: "Encara estic viu".