XÈNIA

CONCEPTUAL ART: El moviment conceptual en l'art apareix a finals dels anys seixanta amb manifestacions molt diverses i fronteres poc definides.

La idea principal subjacent en totes elles és que la veritable obra d'art no és l'objecte físic produït per l'artista, sinó que consisteix en conceptes i idees. Amb un fort component heretat dels ready-made de Marcel Duchamp, és l'artista americà Sol LeWitt qui millor defineix aquest moviment en una sèrie d'articles publicats el 1967 i 1969. En l'art conceptual, la idea o concepte prima sobre la realització material de l'obra, i el mateix procés -notes, esbossos, maquetes, diàlegs- en tenir sovint més importància que l'objecte acabat, pot ser exposat per mostrar l'origen i desenvolupament de la idea inicial. Un altre element a ressaltar d'aquesta tendència és que requereix una major implicació de l'espectador no només en la forma de percebre-sinó amb la seva acció i participació. En funció de la insistència en el llenguatge, el comentari social o polític, el cos o la naturalesa, dins d'aquest art trobem línies de treball molt diferents: body art, land art, process art, performance art, art povera ... i entre els seus més importants representants es troben artistes com Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, el grup Art & Language, Gilbert and George, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long.

Segons els plantejaments de l'art conceptual, les obres d'art no tenen només una manera d'existència objectual i l'experiència estètica pot donar-se més enllà de la matèria, perquè experiències i obres poden "encarnar-" en diversos objectes o perquè la seva recepció es pot entendre més enllà de la presència dels objectes. Per exemple, qualsevol boteller pot exemplificar el gest duchampià, però el rellevant és el gest en si. El boteller no és un objecte artístic, sinó una proposta estètica, ja que l'artista ho despulla del seu sentit instrumental.

D'aquesta manera, l'art conceptual tracta de mantenir l'experiència estètica sense que hi hagi en ella l'elaboració artística, el valor plàstic dels objectes. Un pas més enllà seria la mera proposició per escrit de contemplar un portabotellas sense mostrar-ho.

Compartir l'acte de mirar resulta una forma d'aconseguir un fonament i de tractar de projectar al públic una experiència similar a la primigènia, amb la menor interposició possible de condicionants que puguin desviar aquesta dada experiencial a territoris diferents, com les tradicions en la representació .

El conceptual és sobretot una actitud de la qual parteix l'emissor i que es demana al receptor: en funció de si la comparteix haurà obra o no.

Kosuth deia que les obres d'art conceptuals són proposicions analítiques que presenten les intencions de l'artista, la seva definició de l'art, i LeWitt va definir aquests treballs com a connectors de pols mentals, transmissors d'informació que han renunciat al mite de la semblança. L'artista concep la seva activitat com una investigació semiòtica.

La seva tirada pel llenguatge i la seva èmfasi sobre l'activitat mental en detriment de la material emparenta als creadors conceptuals amb la tradició idealista. S'aprecien dues tendències significatives en l'art conceptual: la dels que mostren o proposen alguna cosa absent a través de projectes irrealitzables per endavant i la dels que es refereixen a idees no visualitzables, invisibles o inexplicables.

En definitiva, l'art conceptual va pretendre demostrar que es podia fer art sense necessitat de desembocar en coses (artístiques), que ha experiència estètica sense estar intervinguda per l'objectualitat. No apel·la al gaudi immediat derivat de la contemplació, sinó al judici i la contemplació reflexiva.

 

LAND ART: No és un moviment homogeni ni associat a la naturalesa, sinó a la terra, entenent com a tal el planeta mateix, ja que les seves obres s'insereixen en un context que va més enllà dels límits "naturals" per endinsar-se en altres més cosmològics i complexos. Se situen, més que en un espai físic natural, en unes coordenades espai-temporals particulars que escapen a l'escala humana.

Al Land Art el temps s'arrissa, plega, doblega, bifurca o s'atura, creant espais paral·lels al que habitem. No és casual que es desenvolupés en els seixanta, doncs llavors l'optimisme científic derivat de la carrera espacial va inundar l'imaginari col·lectiu i va alterar els conceptes espai-temporals a l'ús (petjada d'Amstrong).

Al Land Art, la naturalesa evanescent del present continu s'incorpora a cada pas que dóna el temps, deixant-se atrapar només en l'acció materialitzada de l'empremta.

S'associa aquest moviment a la natura i escultures d'exterior, més enllà de galeries i museus, però inclou manifestacions molt dispars, des de les que respecten l'aspecte inicial del paisatge que intervenen fins als que alteren la seva imatge radicalment passant pels pensats per fer front a espais degradats.

En el context de la divulgació i manipulació de les possibles conseqüències de la teoria de la relativitat i de l'origen del Big Bang, obres representatives de Smithson, Morris, Nancy Holt o Richard Long proposaven una revisió de l'obra d'art dins d'un temps lineal i un espai euclidià, una revisió que es relaciona amb una altra social i política (en paral·lel a maig del 68, Vietnam ...).

El Land Art també va qüestionar l'afany tecnològic de la ciència, plantejant si es tracta d'un progrés o d'un esdevenir cíclic.

L'escultura té ara poc a veure amb l'objecte artístic en si, l'obra és un caminar i no importa tant la materialització de l'experiència. Es tracta d'un procés interminable on es combina tot a cada moment: lloc, situació, atmosfera, artista i tot el que en aquest moment succeeix.

Les formes laberíntiques, simples, regulars i repetitives del Neolític van ser molt utilitzades com a signes de forats negres pels que desplaçar-se en el temps i com

antics arquetips culturals.

 

ABSTRACCIÓ POSTPICTÒRICA: En deute amb l'Expressionisme Abstracte, les arrels de la Abstracció postpictórica s'enfonsen en els vint i els trenta. Va crear el terme Greenberg com el títol d'una mostra que va comissariar al LACMA el 1964. El crític va observar un nou moviment en pintura derivat de l'esmentat Expressionisme Abstracte però que afavoria l'obertura o claredat en oposició a les superfícies pictòricament denses d'aquell estil.

Entre els 31 participants en aquella exposició figuraven Sam Francis, Helen Frankenthaler, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Noland, Olitski o Stella, que es van donar a conèixer en els seixanta.

Es considera que l'origen immediat d'aquesta tendència es troba en els estudis sobre psicologia de les formes de la Bauhaus que Josef Albers va difondre als Estats Units.

La nova pintura no comporta missatges místics o religiosos, sinó que existeix per si mateixa: es tracta de llenços de gran format que es nodreixen només de color, de forma absoluta. Podem parlar de zones cromàtiques, no de formes. D'acord aquest tipus de pintura va seguir avançant en diferents direccions, el terme Abstracció postpictórica va ser superat pel de pintura de "contorns durs" o va convergir en altres tendències, com el minimalisme o l'abstracció lírica.

 

MINIMAL ART: El moviment minimalista va transformar en els seixanta la concepció de la relació de l'obra d'art amb l'espai pressuposta per l'escultura de l'avantguarda clàssica. Es produeixen canvis en els espais expositius, en els quals ara predominen parets blanques nues i grans sales, donat la gran grandària dels objectes minimal.

MINIMALISME I ESPAI: Aquests objectes, o bé estaven realitzats per a un tipus d'espai determinat (cantonada, paret) o bé intervenien en la percepció de l'espai en què s'inscrivien. Poden determinar, a més de l'experiència visual de l'espai, la seva habitabilitat.

A vegades l'espai de l'exposició crida l'atenció sobre si mateix, per la seva extrema neutralitat o pel contrast que estableix amb les obres; altres vegades és fons evident i buscat de les peces, com passa en el cas de Carl Andre. En altres ocasions, l'espai forma part de l'obra i és portat a la consciència perceptiva per ella. Podem dir que tota obra d'art modifica més o menys la percepció de l'espai circumdant, però les minimal ho fan intencionadament com a part del seu contingut. La connexió entre obra i espai és propiciada per la grandària o la col·locació de l'objecte. En definitiva, l'espai és al Minimalisme el lloc en què es produeix la trobada entre subjecte i objecte i l'experiència de l'obra.

LES FORMES MINIMALISTES: La majoria de les obres minimal són políedres regulars, aïllats o en sèrie, d'aparença pobra o industrial, colors brillants o apagats, materials opacs o transparents, o fins i tot construïdes amb maons, neons o contraxapat; en definitiva, es tracta d'objectes geomètrics simples elaborats amb tota mena de materials que no tenen l'anomenada "veritat del material" i de la neutralitat dels mitjans artístics subordinats als processos creatius de l'artista. No posseeixen una forma significant que els separi de la resta d'objectes del món i els converteixi en artístics.

Podríem dir que l'única propietat pertinent a l'hora de parlar dels objectes minimalistes és la objectualitat: l'experiència d'una obra d'art és la d'un objecte físic i la seva mida, forma i orientació en l'espai. El objectualisme minimal es manifesta com a afirmació de l'escultura i dels materials, propietats i procediments que li són propis i com antipictorialismo o anti-il·lusionisme.

Tant l'escultura minimalista com l'avantguardista tenen en comú la seva reivindicació de les convencions de l'escultura, però difereixen en el major i indirecte protagonisme donat l'espectador en les obres minimal causa de la seva objectualitat; en la incidència de la unitat i completesa de l'experiència receptiva a les obres serials, a la incidència en la objectualitat per les accions que l'obra en seva (donar suport, contenir, posar al costat) i en la major consciència de l'espectador respecte al seu lloc com a perceptor: es requereix d'ell una actitud diferent.

A diferència de la pintura o l'escultura abstracta contemporània, els objectes que es classifiquen dento del minimalisme poden ocupar qualsevol lloc i la seva ubicació contribueix al seu contingut, el que erosiona en part l'autonomia de l'obra d'art.

El Minimalisme va influir en el primer land art de Robert Smithson, Walter de Maria i Robert Morris i també en el primer art públic i site-specific de Richard Serra.

 

NOU REALISME FRANCÉS: Nouveau réalisme va ser un moviment francès que es pot veure com a contraparte europea de l'art pop.

Fundat el 1960 pel crític Pierre Restany, els artistes associats amb el nou réalisme (que es tradueix com "nou realisme") van fer un ampli ús del collage i l'assemblatge, així com la pintura.

Alguns artistes van incorporar objectes reals directament al seu treball, reconeixent un deute amb els readymades de Marcel Duchamp. Els principals exponents d'aquest aspecte van ser Arman, César, Christo, Jean Tinguely i Daniel Spoerri.

Raymond Hains, Mimmo Rotella, Jacques Mahé de la Villeglé i Wolf Vostell van desenvolupar la tècnica del cartell de decollatge o trencat, fent que les obres sorprenents acumulessin capes de cartells que retiressin dels cartells publicitaris. Entre els pintors van ser Valerio Adami, Alain Jacquet, Martial Raysse (que també va fer instal·lacions notables) i l'alemany, Gerhard Richter, que va nomenar la seva obra Realisme capitalista.

Un dels artistes més significatius associats amb nouveau réalisme va ser Yves Klein, que va morir prematurament el 1962. Va ser immensament inventiu en la seva curta carrera, escenificant esdeveniments i realitzant exemples primerencs d'art de performance utilitzant el seu propi cos i anticipant l'art conceptual així com fent pintures notables.

 

POP ART: Pop art és un moviment artístic que va sorgir als anys cinquanta i va florir als anys 60 a Amèrica i Gran Bretanya, inspirant-se en fonts de cultura popular i comercial. Diferents cultures i països van contribuir al moviment durant els anys 1960 i 70.

Emergent a mitjan 1950 a la Gran Bretanya i a la fi de la dècada de 1950 a Amèrica, l'art pop va arribar al seu apogeu en la dècada de 1960. Va començar com una revolta contra els enfocaments dominants de l'art i la cultura i els punts de vista tradicionals sobre què hauria d'estar l'art. Els joves artistes creien que el que se'ls ensenyava a l'escola d'art i el que veien als museus no tenien res a veure amb la seva vida ni amb les coses que veien al seu voltant cada dia. En lloc d'això, es van dedicar a fonts com ara pel·lícules de Hollywood, publicitat, envasos de productes, música popular i còmics per a les seves imatges.

El 1957, l'artista popular Richard Hamilton va enumerar les 'característiques de l'art pop' en una carta als seus amics, els arquitectes Peter i Alison Smithson:

Pop Art és: Popular (dissenyat per a un públic en massa), Transient (solució a curt termini), Expendible (fàcilment oblidat), Baix cost, Mass produït, Jove (destinat a joves), Witty, Sexy, Gimmicky, Glamour, Big business

Els crítics modernistes es van quedar horroritzats amb l'ús dels artistes del pop d'un tema tan "baix" i pel seu tractament aparentment poc crític. De fet, el pop va prendre l'art a noves àrees de temàtica i va desenvolupar noves formes de presentar-les en l'art i es pot veure com una de les primeres manifestacions del postmodernisme.

Encara que estaven inspirades en temes similars, el pop britànic és sovint vist com a distintiu del pop nord-americà.

L'art pop primerenc a Gran Bretanya va ser alimentat per la cultura popular nord-americana vista des de lluny, mentre que els artistes nord-americans es van inspirar en el que van veure i van viure en aquesta cultura.

Als Estats Units, l'estil pop era un retorn a l'art representatiu (art que representava el món visual d'una manera recognoscible) i l'ús d'arestes dures i formes distintes després de la hipersensió pictòrica de l'expressionisme abstracte. Utilitzant imatges impersonals i mundanes, els artistes pop també volien allunyar-se de l'èmfasi en els sentiments personals i el simbolisme personal que caracteritzava l'expressionisme abstracte.

A Gran Bretanya, el moviment era més acadèmic en el seu enfocament. Mentre usava ironia i paròdia, es va centrar més en el que representava l'imaginari nord-americà i el seu poder per manipular els estils de vida de les persones. El grup d'art The Independent Group (IG) dels anys cinquanta és considerat el precursor del moviment artístic britànic.

​

HAPPENING: És una art escènica que va viure els seus moments de màxima esplendor als anys seixanta i que va influir a les altres arts escèniques, com el teatre, la dansa, l'òpera i el circ. Aquest nou gènere escènic, a diferència dels altres en aquella època, encara amb estil clàssic tradicional, tenia lloc en un espai i temps físics concrets no ficticis, tenint com a finalitat apropiar-se de la vida per mitjà de l'acció i valorant l'experiència real més que la simulada. Podia donar-se en qualsevol lloc, on avui seria un espai dit "no convencional", com per exemple un supermercat o una estació de tren, no únicament a una sala dins d'un teatre. Es valora l'espontaneïtat i l'atzar. Els executants fan activitats reals, és a dir que escombren, mengen o fins i tot s'autolesionen de manera real.
El cos ("corpologia") i l'element sensorial prenen protagonisme, a més de la presència de l'atzar en el procés creatiu i el desig de trencar amb la passivitat de l'espectador. També es valoraven l'alliberament sexual i l'exploració psicodèlica característics dels anys seixanta. A Europa es va treballar més a partir de la individualitat que de col·lectius, explorant els comportaments més instintius, com la violència i els estats preverbals, a més de l'esmentat sexe, i tot el relacionat amb rituals. Destaca també el component sociopolític, el voler fer pensar o modificar el públic, amb accions de crítica política, social, cultural o centrada en temes com el transvestisme.
Els executants dels happenings provenien de diferents disciplines artístiques i van establir importants connexions amb d'altres, com per exemple típicament l'anomenat grup Fluxus de Nova York amb la dansa contemporània formalista, una tendència encapçalada per Merce Cunningham i que cercava l'abstracció dels moviments dels ballarins.
Als anys setanta es va imposar internacionalment el mot "performance" (en català, "art d'acció"). A partir d'aquesta època el happening madura i cobreix un gran espectre de pràctiques en diferents suports i llenguatges o combinacions d'ells, com ara l'acte pictòric, la instal·lació escultòrica, la dansa, el treball corporal, el concert o el format videogràfic entre d'altres. Continua incorporant l'activisme (suport a minories, ecologisme), que en aquella època no era propi del teatre tradicional, i tècnicament es diferencia del happening en que implica una teatralització de l'experiència, tot i que a la pràctica actualment se solen considerar sinònims.

​

PERFORMANCE: Una performance o acció artística és una mostra escènica, moltes vegades amb un important factor d'improvisació, en què la provocació o la sorpresa, així com el sentit de l'estètica, juguen un paper principal.

El terme performance procedeix de l'expressió anglesa performance art, amb el significat d'art en viu. Està lligat al happening, al moviment Fluxus, a l'art corporal i, en general, a l'art conceptual.

Al començament dels anys seixanta, artistes com George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, i Nam June Paik entre d'altres, van començar a crear els primers happenings i concerts fluxus. El terme performance va començar a ser utilitzat especialment per a definir certes manifestacions artístiques a la fi dels anys seixanta, amb artistes com Carolee Schneemann, Marta Minujín, Marina Abramovic i Gilbert & George entre otros.2

La performance s'oposa a la pintura o l'escultura, ja que no és l'objecte sinó el subjecte l'element constitutiu de l'obra artística.

La performance té parentius amb l'acció poètica, la intermèdia, la poesia visual i altres expressions de l'art contemporani. Alguns criden a tals expressions (idèntiques o molt similars a la performance): live art, action art o intervencions.

​

FLUXUS: Fundat el 1960 per l'artista lituà i nord-americà George Maciunas, Fluxus va començar com una petita però internacional xarxa d'artistes i compositors, i es va caracteritzar com una actitud compartida en comptes d'un moviment. Arrelat a la música experimental, va rebre el nom d'una revista que va comptar amb el treball de músics i artistes centrats en el compositor avantguardista John Cage.

La paraula llatina Fluxus vol dir fluir, en anglès, un flux és un fluix. El fundador de Fluxus, Maciunas, va dir que el propòsit de Fluxus era "promoure una inundació revolucionària i una marea en l'art, promoure l'art viu, l'antiart". Això té forts ecos de dada, el moviment artístic del començament del segle XX.

El primer esdeveniment de Fluxus va ser escenificat el 1961 a la galeria AG de Nova York i va ser seguit per festivals a Europa el 1962. Els principals centres de l'activitat de Fluxus van ser Nova York, Alemanya i Japó.

Fluxus va tenir un paper important a l'hora d'obrir les definicions del que pot ser l'art. Ha influït profundament en la naturalesa de la producció artística des de la dècada de 1960, que ha vist una variada gamma de formes i enfocaments d'art existents i florecientes de costat a costat.

Fluxus no tenia un estil unificador únic. Els artistes van utilitzar una gamma de mitjans i processos que adopten una actitud de "fer-ho-mateix" amb l'activitat creativa, sovint escenificant performances aleatòries i utilitzant qualsevol material que estigués a punt per fer art. En veure's com una alternativa a l'art i la música acadèmica, Fluxus era una forma democràtica de creativitat oberta a tothom. Es van fomentar les col·laboracions entre artistes i artforms, i també amb el públic o l'espectador. Va valorar la senzillesa i l'antimercialismo, amb possibilitats i accidents en la creació d'obres, i l'humor també és un element important.

Molts artistes d'avantguarda clau en els anys 60 van participar en Fluxus, entre ells Joseph Beuys, Dick Higgins, Alice Hutchins, Yoko Ono, Nam June Paik, Ben Vautier, Robert Watts, Benjamin Patterson i Emmett Williams.

​

READY MADE: El terme readymade va ser utilitzat per primera vegada per l'artista francès Marcel Duchamp per descriure les obres d'art que feia d'objectes fabricats. Sovint s'ha aplicat més generalment a les obres d'art d'altres artistes realitzats d'aquesta manera.

Els primers readyamades de Duchamp incloïen la roda de bicicletes de 1913, una roda muntada sobre un tamboret de fusta, i A l'avanç del braç trencat de 1915, una pala de neu inscrita amb aquest títol. El 1917 a Nova York, Duchamp va fer la seva més coneguda llista, Fountain, un urinari masculí signat per l'artista amb un nom fals i exhibit col·locat a la seva esquena. Els readymades posteriors van ser més elaborats i van ser referits per Duchamp com readymades assistits.

Per als seus readymades, Duchamp deliberadament va triar objectes ordinaris, funcionals i, fins i tot, més aviat avorrits.

Tot i que el terme Readymade va ser inventat per Duchamp per descriure el seu propi art, s'ha aplicat més generalment a les obres d'art elaborades a partir d'objectes fabricats. Per exemple, els treballs dels artistes de YBA Damien Hirst, Michael Landy i Tracey Emin (com Emin's My Bed 1998) es poden descriure com readymades.

Hi ha tres punts importants: primer, que l'elecció de l'objecte és en si mateix un acte creatiu. En segon lloc, que al cancel·lar la funció "útil" d'un objecte es converteix en art. En tercer lloc, que la presentació i l'addició d'un títol a l'objecte l'ha donat un "nou pensament", un nou significat. Els readymades de Duchamp també van afirmar el principi que l'artista defineix l'art. L'elecció de l'objecte és en si mateix un acte creatiu, la cancel·lació de la funció útil de l'objecte el converteix en art i la seva presentació a la galeria li dóna un nou significat. Aquest moviment de l'artista com a creador a l'artista com a escollidor sovint es considera com el començament del moviment cap a l'art conceptual, ja que es posa en dubte l'estat de l'artista i l'objecte. En aquella època, el readymade era vist com un assalt a l'enteniment convencional no només de l'estat de l'art sinó de la seva pròpia naturalesa.

​

EFÍMER: l terme efímer, que prové d'un vocable grec que significa "d'un dia", permet nomenar allò passatger o de breu durada. Una cosa efímer té poca vida i desapareix al poc temps.

Quan ens estem referint a art efímer, ens estem referint a una expressió artística que té un caràcter perible i que, per tant, no deixa un objecte perdurable per a la posteritat. En el cas que sí ho deixi, el mateix sota cap concepte ve a ser representatiu de l'etapa en què va ser creat.

Molts són els tipus d'art que s'englobarien dins d'aquesta categoria. En concret, entre els més significatius estarien la moda, el body-art, la gastronomia, el graffiti i fins i tot el que és la pirotècnia i el tatuatge.

És important destacar que a més quan parlem d'art efímer ens estem referint a un tipus d'expressió artística que inevitablement depèn del gust social i de les tendències. D'aquí que per aconseguir convertir-se en un referent en un moment determinat es requereix que tant els mitjans de comunicació com el propi sector de la crítica d'art juguin les seves cartes i intervinguin en això.

De la mateixa manera, a més de tots els exemples citats com a art efímer, hem de determinar que el desenvolupament i expansió de les citades noves tecnologies també han donat lloc a l'existència de nous tipus d'aquell. En concret, sota aquesta denominació es troben també el làser, l'art nocturn que porta amb si el neó, el disseny gràfic o l'anomenat sound art, que és la unió del so amb les arts visuals.

​

DESMATERIALITZACIÓ: És la representació de l'art per proclamar la llibertat del creador, també es un moviment artístic en el que el concepte o idea aprofita tots els aspectes estètics i materials i en molts casos la idea és l'obra en si mateixa.

CARACTERÍSTIQUES: El que importa és el que vol dir, no el mitjà que s'utilitza.
No importa tant l'obra d'art, que desapareix, com el concepte que roman.Ex: com un bol amb fruites que del qual grava el procés de putrefacció no roman l'objecte en si mateix , sinó el vídeo que conté el missatge, una reflexió al pas del temps
Moltes vegades, el que es concerva de l'obra d'art és un document gràfic, un vídeo, una fotografia...
La realització de les obres s'utilitzen materials resistents, la fusta, el plàstic, la sorra,etc.: que es preparen i es tracten prèviament seguint diferents procediments.
I la finalitat expressiva de l'autor s'integra en la apreciació purament estètica de l'observador.

Nombrosos artistes han fet creacions amb materials que deixen d'existir(perible), com flors, aliments, etc. Aquestes obres solament duren unes hores, i l'important no és la forma sinó el concepte que s'hi expressa.
L'única manera de dotar de permanencia aquest tipus de creacions és negar-les i fer un reportatge fotogràfic o de vídeo perquè duri més temps.

 

BODY ART: Body art és una expressió de la llengua anglesa que es pot traduir com "art en el cos" o "art corporal". Es tracta d'una disciplina artística que pren al cos de l'ésser humà com a suport per a la creació d'obres o com a vehicle d'expressió.

En general el body art es desenvolupa en el marc d'una performance (una acció artística) o per registrar el resultat en vídeos o fotografies. En els seus orígens, moltes de les manifestacions d'aquest tipus d'art formaven part de rituals.

Una de les expressions més conegudes del body art és el body paint o "pintura corporal". Aquesta pràctica consisteix a aplicar pintura sobre el cos per a la realització de diferents classes de dibuixos o la creació de figures.

Els tatuatges, els pírcings i altres modificacions corporals també poden considerar-se com a part del body art. En aquests casos, el propi cos passa a ser l'obra d'art.

De la mateixa manera, no podem passar per alt que el terme Body Art també és emprat per fer referència a un tipus de condicionament físic que existeix i que es basa en considerar l'individu com un tot. Quan diem un tot ens estem referint a que de la mateixa es destaca que ve a barrejar el que és l'ànima, la ment i el cos.

Altres dades interessants sobre aquesta classe de sistema de condicionament físic són els següents:

-Va ser creat pel terapeuta i ballarí Robert Steinbacher. Li va donar forma amb el clar objectiu de trobar una teràpia amb la qual poder treballar amb nens amb discapacitat.

-De Body Art desenvolupat per aquest individu cal destacar que pot ser utilitzat per qualsevol persona per poder posar-se en forma. De la mateixa manera, cal subratllar el fet que ve a ser una barreja perfecta entre Ioga, tècniques de respiració i fisioteràpia, entre altres disciplines.

-Amb tots els exercicis que es realitzen amb aquest sistema d'entrenament el que s'aconsegueix és treballar tots els músculs del cos alhora.

-Es considera que és una estupenda eina no només per estar en forma sinó també per corregir la postura, tenir una major consciència del propi cos i alliberar tensions. Això sense passar per alt que contribueix a aconseguir el benestar, que permet millorar la concentració i que aconsegueix un bon estat de salut, tant a nivell físic com mental.

 

ACCIONISME VIENÈS: El terme Accionisme vienès (Wiener Aktionismus) comprèn un curt i polèmic moviment artístic del segle XX. Es tracta d'un dels aportaments més inquietants i radicals de l'art austríac d'avantguarda, i pot entendre's com una de les conseqüències dels esforços que els artistes de la dècada de 1960 portaven a terme per portar l'art al terreny de l'acció (Fluxus, Body art, etc.). Entre els seus principals representants es troben Günter Brus, Abino Byrolle, Otto Mühl, Hermann Nitsch i Rudolf Schwarzkogler, que van desenvolupar la major part de les seves activitats accionistes des de 1960 a 1971. L'accionisme vienès mai no va existir com a grup. Simplement, un bon nombre d'artistes van reaccionar contra la situació en què l'art i ells pròpiament es trobaven, amb la casualitat que tot plegat va succeir en la mateixa època i va tenir similars significats i resultats.

Principalment, els accionistes vienesos són recordats pel grotesc i violent de molts dels seus treballs, on freqüentment es realitzaven sacrificis a animals, rituals orgiàstics o pràctiques sexuals aparentment sagnants, com ara simulacions de mutilacions genitals o violacions.[2] Tot plegat desafiava les convencions ètiques i morals sobre les que es fonamenta a societat occidental, per la qual cosa molts d'aquests artistes van ser perseguits per la llei i per diverses associacions ecologistes i religioses. Així, al juny de 1968, Gunter Bruss, que va arribar a dir que la destrucció era un element fonamental del seu art, va ser arrestat per "degradar els símbols del país" en la seva obra Kunst+Revolution (Art+Revolució). Malgrat tot, després de sis mesos de condemna va aconseguir escapar amb la seva família a Alemanya. Altres accionistes com Otto Mühl i Hermann Nitsch van complir condemnes per participar a diverses "accions" de caràcter obertament blasfem i violent. Encara que cada un d'aquests artistes treballaven sobre conceptes diferents, compartien la mateixa visió estètica i temàtica sobre l'art. Usaven el mateix cos com a element central de les seves obres, tal com pot apreciar-se als títols d'una de les accions de Brus, Cos pintant, Mà pintant (1964), o en Degradació del cos femení, degradació d'una Venus (1963) de Mühl i Nitsch. Aquest esforç per transformar el cos humà en superfície i producció del seu propi art, té les seves arrels al Body art o a la Performance, moviments que van ser portats radicalment fins als seus extrems pels accionistes vienesos. El significat d'aquestes «accions» unit al progressiu abandonament de la pintura, teatre i escultura per part dels accionistes, va servir com a definició subjectiva de l'obra antiartística. Condemnable i menyspreable per a molts, l'accionisme vienès sempre ha generat debats polèmics al voltant dels límits i als abusos de l'art. Actualment, la majoria dels que eren representants més destacats del moviment treballen de forma independent a projectes aliens a l'estètica accionista, quedant les seves obres com a retrat d'una de les èpoques més radicals i estranyes de la història de l'art.

 

MERZ: Merz és una paraula sense sentit inventada per l'artista dada alemany Kurt Schwitters per descriure els seus treballs de collage i assemblage basats en materials de ferralla.

Kurt Schwitters va fer un gran nombre de petits collages i més assemblees importants en aquest mitjà. Es diu que ha extret la paraula Merz del nom Commerz Bank que apareixia en un tros de paper en un dels seus collages.
Schwitters va fundar un grup de Dada a Hannover, on va estar fundat a partir de 1919. Allà va crear el seu primer Merzbau (edifici Merz). Aquesta era la seva pròpia casa, que va omplir d'unes quaranta gruixudes, construccions realment adherides al teixit interior de l'edifici i fins i tot estenent-se per finestres.
El 1937, després que el seu treball s'hagués inclòs a l'exposició d'art degenerat, va fugir d'Alemanya per Noruega. Allí va crear un segon Merzbau. El 1940 va trobar refugi a Anglaterra on va començar un tercer Merzbau a Ambleside, al districte del llac. El primer Merzbau va ser destruït a la Segona Guerra Mundial, el segon pel foc el 1951 i el tercer va quedar inacabat a la seva mort el 1947. Actualment es conserva a la Galeria Hatton de la Universitat de Newcastle upon Tyne.

​

DECOLLAGE: Décollage és una paraula francesa que significa literalment desfer-se, generalment associada a un procés utilitzat per artistes del nou realisme (nou realisme) que va implicar fer art de cartells arrencats de les parets.

Encara que la primera vegada que el terme "despollage" aparegués en format imprès va ser en el Diccionari Abrégé du Surréalisme el 1938, generalment s'utilitza en el context del nou réalisme. Els artistes implicats, com ara Raymond Hains, sovint buscaven llocs amb moltes capes de cartells perquè el procés de décollage tingués un caràcter arqueològic i es veies com un mitjà per descobrir la informació històrica. Van exhibir les seves obres d'art del cartell com a objectes estètics i documents socials. A partir de 1949, Hains va fer el treball dels cartells que va arrencar de les muralles de París.
El 1963, l'artista alemany Wolf Vostell s'apropia del terme, i va presentar una sèrie d'esdeveniments sota el títol de Nein 9 Decollagen, que incloïa imatges de televisió que tenia "décollé" deslligat de la pantalla i presentat de nou. El 1962 Vostell havia fundat Dé-coll / age: el butlletí Aktueller Ideen, una revista dedicada als escrits teòrics d'artistes involucrats en happenings, Fluxus, nouveau réalisme i pop art.

​

DOCUMENTA, KASSEL: documenta és una exposició d'art contemporani que es realitza cada cinc anys a Kassel, Alemanya. Va ser fundada per l'artista, professora i comissària Arnold Bode el 1955 com a part del Bundesgartenschau (Festa federal d'horticultura) que va tenir lloc a Kassel en aquell moment  i va ser un intent de portar a Alemanya a velocitat amb l'art modern, ambdues desterrar i reprimir la foscor cultural del nazisme. Aquesta primera documenta va comptar amb molts artistes que generalment es consideraven que havien tingut una influència significativa en l'art modern (com Picasso i Kandinsky). Les documentals més recents presenten art de tots els continents; tot i que la majoria d'ells són específics del lloc.
Cada documenta es limita a 100 dies d'exposició, per la qual cosa sovint es coneix com el "museu de 100 dies". Documenta no és una exposició de venda. Rarament coincideix amb els altres tres grans esdeveniments del món de l'art: la Biennal de Venècia, Art Basel i Skulptur Projekte Münster, però el 2017, tots quatre estaven oberts simultàniament.

 

ESCULTURA SOCIAL: L'escultura social és una teoria desenvolupada per l'artista Joseph Beuys en la dècada de 1970 a partir del concepte de que tot és art, que tots els aspectes de la vida es puguin abordar de forma creativa i, com a resultat, tothom pot ser un artista.

L'escultura social va unir les idees idealistes de Joseph Beuys d'una societat utòpica juntament amb la seva pràctica estètica. Creia que la vida és una escultura social que tothom ajuda a donar forma.
Moltes de les escultures socials de Beuys tenien preocupacions polítiques i ambientals. 7000 Oaks va començar el 1982 com un projecte de cinc anys per plantar 7000 arbres a Kassel a Alemanya. Va plantejar moltes preguntes sobre la planificació urbana, el futur del medi ambient i les estructures socials.
El concepte d'escultura social continua avui amb artistes com Pedro Reyes que van recollir 1.527 armes de residents de Cuiliacán a Occident de Mèxic, que es van canviar per l'electrònica. L'artista va fondre les armes en pales, que es van utilitzar per plantar 1.527 arbres.

​

ASSEMBLAGE: Assemblage és un art que es realitza muntant elements dispars, sovint objectes quotidians, escampats per l'artista o comprats especialment.

L'ús de l'assemblatge com a enfocament de fer l'art es remunta a les construccions cubistes de Pablo Picasso, les tres obres tridimensionals que va començar a fabricar a partir de 1912. Un exemple primerenc és el Still Life 1914 que es realitza a partir de retalls de fusta i una longitud de franges de sobretaula , enganxats i pintats. Picasso va seguir utilitzant l'assemblatge de forma intermitent durant tota la seva carrera.
El 1918, l'artista Kurt Schwitters va començar a utilitzar materials de ferralla per a la creació de collages i assemblages: va cridar aquesta tècnica "merz". Assemblage també es va convertir en la base de molts objectes surrealistes. Inspirada en els escrits del psicòleg Sigmund Freud sobre els inconscients i els somnis, els artistes surrealistes solen combinar combinacions improbables d'objectes trobats per crear escultures sorprenents i inquietants.

En els anys cinquanta i seixanta, l'assemblatge es va fer extensiu. Els artistes Jasper Johns i Robert Rauschenberg van adoptar un enfocament aparentment antiestètic per fer art. Utilitzaven materials descarreguts i objectes trobats juntament amb la pintura aplicada desordenadament per crear relleus i escultures expressionistes, guanyant-los el nom neo-dada. Els artistes del moviment de l'art italià povera, com Mario Merz, feien obres d'art utilitzant una combinació de materials naturals i quotidians que contenien materials com ara terra, draps i branques. El seu objectiu era desafiar i interrompre els valors del sistema de galeria contemporània comercialitzat.

La tècnica continua sent extensament utilitzada, per exemple en escultures d'artistes de YBA com Sarah Lucas, Damien Hirst i Jake i Dinos Chapman. Molts artistes contemporanis, com Tomoko Takahashi, Christina Mackie i Mike Nelson, creen instal·lacions a gran escala de materials ensamblats, escampats i objectes trobats.

​

COMBINE PAINTINGS: Una pintura combinada és una obra d'art que incorpora diversos objectes en una superfície de lona pintada, creant una mena d'híbrid entre la pintura i l'escultura. Els elements adjunts a les pintures poden incloure imatges fotogràfiques, peces de vestir, retalls de periòdics, ephemera o qualsevol nombre d'objectes tridimensionals. El terme està més relacionat amb l'obra d'art de l'artista nord-americà Robert Rauschenberg (1925-2008) que va encunyar la frase per descriure les seves pròpies creacions. Les combinacions de Rauschenberg van explorar els límits borrosos entre l'art i el món quotidià. A més, les seves creacions creuades van desafiar la doctrina d'especificitat mitjana que va esmentar el crític d'art modernista Clement Greenberg. Frank Stella va crear una gran quantitat de pintures que recorden les pintures combinades de Robert Rauschenberg juxtaposant una àmplia varietat de superfície i material en cada obra que finalment va portar a l'escultura i l'arquitectura de Stella del segle XXI.

​

HIBRID: Les arts híbrides són un moviment d'art contemporani en què els artistes treballen amb àrees frontereres de la ciència i les tecnologies emergents. Els artistes treballen amb camps com la biologia, la robòtica, les ciències físiques, les tecnologies d'interfícies experimentals (com el discurs, el gest, el reconeixement facial), la intel·ligència artificial i la visualització d'informació. Es dirigeixen a la recerca de moltes maneres, com ara emprendre noves agendes de recerca, visualitzar resultats de noves formes o criticar les implicacions socials de la recerca. La comunitat mundial ha desenvolupat nous tipus de festivals d'art, fonts d'informació, organitzacions i programes universitaris per explorar aquestes noves arts. Les arts híbrides també són el nom d'una empresa d'educació artística sense ànim de lucre al Regne Unit. Creada el 2003 després d'un període de desenvolupament de quatre anys per crear una nova espècie de proveïdor d'entrenament i compromís d'arts a les indústries culturals.

​

SITE SPECIFIC: El terme específic del lloc fa referència a una obra d'art dissenyada específicament per a una ubicació particular i que té una interrelació amb la ubicació.

Com que una obra d'art específica del lloc està dissenyada per a una ubicació específica, si s'elimina d'aquesta ubicació es perd tota o una part substancial del seu significat. El terme específic del lloc s'utilitza sovint en relació amb l'art de la instal·lació, com en la instal·lació específica del lloc; i l'art terrestre està específicament específic per a cada lloc.

 

ART CONCRET: L'art concret és un art abstracte totalment lliure de qualsevol base en la realitat observada i que no té un significat simbòlic.

El terme va ser presentat per l'artista Theo van Doesburg en el seu Manifest de 1930 d'Art Concret. El manifest es va publicar en el primer i únic número de la revista Art Concret. Va afirmar que no hi havia res concret ni més real que una línia, un color o un avió (una zona plana de color).
L'artista suís Max Bill es va convertir més tard en el pavelló de l'art concret organitzant la primera exposició internacional a Basilea el 1944. Va afirmar que l'objectiu de l'art concret és crear «de manera visible i tangible coses que no existien abans: representar pensaments abstractes d'una forma sensible i tangible ".

​

PINTURA MONOCROMA: El monocroma significa un color, pel que en relació amb l'art, una obra monocromàtica és aquella que inclou només un color.

Durant segles els artistes van utilitzar diferents tons (tons) de tinta marró o negre per crear imatges monocromes en paper. La tinta simplement seria més o menys diluïda per aconseguir els tons necessaris. Es van utilitzar matisos de pintura d'oli gris per crear pintures monocromes, una tècnica coneguda com grisaille, de la paraula francesa gris que significa gris. En aquest treball, el joc de la llum i el fosc (clarobscur) va permetre a l'artista definir la forma i crear una imatge.

Al segle XX, amb l'auge de l'art abstracte, molts artistes van experimentar pintures monocromes com Anish Kapoor, Ad Reinhardt, Robert Ryman i Robert Rauschenberg.

El monocromo sovint serveix per a un dels dos propòsits. El primer d'ells era comunicar la puresa espiritual; triant un color, els artistes podrien explorar la tranquil·litat de l'abstracció total. En les seves obres d'art, Yves Klein esperava recrear un sentit de dissolució de les diferències materials, de manera que es pogués sentir la unicitat de l'univers. De la mateixa manera, a la dècada dels cinquanta, Pierre Manzoni va explorar la idea de «no-res» en la seva sèrie 'Achrome'.

El segon propòsit del monocrom, per alguns artistes, era reduir la pintura o l'escultura a la forma més senzilla perquè el focus de la peça estigués en els seus elements físics purs; color, forma, textura o la manera com es feia. Entre els primers va ser Kazimir Malevich, que al voltant de 1917-18 va crear una sèrie de pintures blanques sobre blanc (veure suprematisme). L'artista minimalista alemany conegut com "Zero" va utilitzar monocroms com una oportunitat per donar a conèixer el procés artístic, sovint tallant o creant formes elevades en llençols blancs o negres. A Gran Bretanya, Ben Nicholson va crear una notable sèrie de relleus blancs a mitjans dels anys trenta.

​

COLOR FIELDS: El terme pintura de camp de color s'aplica al treball dels pintors abstractes que treballen en els anys cinquanta i seixanta caracteritzats per grans àrees d'un sol color més o menys pla.

El terme va ser originalment aplicat a l'obra d'aproximadament 1950 de tres pintors expressionistes abstractes nord-americans Mark Rothko, Barnett Newman i Clyfford Still. "Els pintors de camp de colors" va ser el títol del capítol que tracta d'aquests artistes en la història de l'historiador americà Irvine Sandler, Expressionisme abstracte, publicat el 1970.

Des del 1960, una pintura de camp de color més purament abstracta va sorgir en l'obra d'Helen Frankenthaler, Morris Louis, Kenneth Noland, Alma Thomas, Sam Gilliam i altres. Va diferir de l'expressionisme abstracte en què aquests artistes van eliminar tant el contingut emocional, mític o religiós del moviment anterior, com l'aplicació personal, pictòrica o gestual associada. El 1964, l'exposició de trenta-un artistes associats a aquest desenvolupament va ser organitzada pel crític Clement Greenberg al Museu d'Art del Comtat de Los Angeles. Ell va anomenar Abstracció Post-pintoresca, un terme sovint també utilitzat per descriure el treball de la generació de 1960 i els seus successors.

A Gran Bretanya hi va haver un gran desenvolupament de la pintura de camp de color en els anys 60 en el treball de Robyn Denny, John Hoyland, Richard Smith i altres.

​

HARD EDGE: és una tendència a la fi de la dècada de 1950 i 1960, art molt relacionada amb l'abstracció post-painting i la pintura de camp de colors. Descriu un estil abstracte que combina la composició clara de l'abstracció geomètrica amb el color intens i les formes audaces i unitàries de la pintura de camp de colors. Encara que va ser identificat per primera vegada amb artistes californians, avui la frase s'utilitza per descriure una de les tendències més distintives de la pintura abstracta a través dels Estats Units en els anys seixanta.

L'abstracció d'avantguarda va ser part d'una tendència general a allunyar-se de les qualitats expressives de l'abstracció gestual. Molts pintors també van intentar evitar l'espai poc profund, posterior al cubisme de l'obra de Willem de Kooning, i van adoptar els camps de color oberts en l'obra de Barnett Newman.

La pintura de punta és coneguda per la seva economia de forma, plenitud de color, execució impersonal i plans de superfície llisa.

El terme "abstracció d'avantguarda" va ser ideat pel crític d'art californià Jules Langsner, i inicialment tenia la intenció de presentar una exposició de 1959 que incloïa quatre artistes de la Costa Oest: Karl Benjamin, John McLaughlin, Frederick Hammersley i Lorser Feitelson. Encara que, posteriorment, l'estil es deia sovint com "Edifícil de Califòrnia", i aquests quatre artistes es van convertir en sinònims del moviment, Langsner finalment va decidir triar l'obra Four Abstract Classicists (1959), ja que considerava que l'estil marcat com a el clàssic s'allunya del romanticisme de l'expressionisme abstracte.

​

 SHAPED CANVAS: Els llenços en forma són quadres que surten de la configuració normal plana i rectangular. Els llenços es poden conformar alterant el seu contorn, mantenint la seva planitud. Un exemple antic i tradicional és el tondo, una pintura en un panell rodó o lona: Rafael, així com altres pintors renaixentistes, de vegades trien aquest format per a les pintures madonna. D'altra banda, les teles poden alterar-se perdent la seva planitud i assumint una superfície tridimensional. O bé, poden fer tots dos. És a dir, poden assumir formes diferents dels rectangles, i també tenir funcions de superfície que siguin tridimensionals. Probablement, canviar la configuració superficial de la pintura la converteix en una escultura. Però els llenços en forma es consideren generalment pintures.

A banda de les consideracions estètiques, hi ha assumptes tècnics que tenen a veure amb la pròpia naturalesa del llenç com a material, que tendeixen a recolzar el rectangle pla com a norma de les pintures sobre el llenç. (Vegeu Sortir de la rectangular següent).

En la literatura de la història i la crítica de l'art, el terme llenç format està particularment associat a certes obres creades principalment a Nova York després de 1960, durant un període en què es va produir una gran varietat i quantitat d'aquestes obres. Segons el comentari en un lloc d'exposicions de la Universitat de Rutgers, "... la primera atenció històrica significativa que es va pagar als llenços en forma dels anys seixanta.

​

ABSTRACCIÓ LIRICA: L'abstracció lírica és una de dues tendències relacionades però diferents en la pintura modernista de postguerra:

L'abstracció europea Lyrique va néixer a París, el crític d'art francès Jean José Marchand es va atribuir el seu nom en 1947, considerat com un component de (Tachisme) quan el nom d'aquest moviment va ser encunyat en 1951 per Pierre Guéguen i Charles Estienne l'autor de L'Art à Paris 1945-1966, i American Abstraction Lyrical, un moviment descrit per Larry Aldrich (el fundador del Museu d'Art Contemporani Aldrich, Ridgefield Connecticut) el 1969.

Una tercera definició és l'ús com a terme descriptiu. És un terme descriptiu que caracteritza un tipus de pintura abstracta relacionada amb l'expressionisme abstracte; en ús des de la dècada de 1940. Molts pintors expressionistes abstractes ben coneguts com Arshile Gorky vistos en context s'han caracteritzat com fer un tipus de pintura descrita com a abstracció lírica.

 

FOTOMUNTATGE: Un fotomuntatge és un collage construït a partir de fotografies.

El fotomuntatge s'utilitza sovint com a mitjà per expressar la dissidència política.

Va ser utilitzat per primera vegada com a tècnica pels dadaistes el 1915 en les seves protestes contra la Primera Guerra Mundial. Va ser posteriorment adoptat pels surrealistes que van aprofitar les possibilitats del fotomuntatge que ofereixen l'ús de la lliure associació per reunir imatges molt dispars, per reflectir el funcionament de la ment inconscient.

El 1923, el constructivista rus Aleksander Rodchenko va començar a experimentar amb el fotomuntatge com una forma de crear imatges sorprenents i compromeses amb la pràctica i moviment d'objectes a l'espai.

Altres exponents clau del mitjà són John Heartfield, l'artista alemany que va reconstruir imatges dels mitjans de comunicació per protestar contra el règim feixista d'Alemanya i Peter Kennard; els fotomuntatges del qual van explorar qüestions com la desigualtat econòmica, la brutalitat policial i la carrera d'armament nuclear entre els anys 1970 i 1990.

​

SERIGRAFIA: Una varietat d'impressió de stencil, usant una pantalla feta de teixit (seda o sintètica) s'estenia fermament sobre un marc.

Les àrees que no imprimeixen a la tela estan bloquejades per un estencil. Això es pot crear pintant sobre cola o laca, mitjançant l'aplicació de film o paper adhesiu, o pintant una resistència a la llum que es desenvolupa com una fotografia (foto-serigrafia). La tinta o la pintura es veuen obligades a través de les tela oberta (sense bloquejar) amb una fulla de cautxú, coneguda com a esqueixadora, al paper.

La serigrafia s'ha utilitzat comercialment des dels anys vint. Va començar a ser utilitzat pels artistes en la dècada de 1930 a Amèrica i el terme 'serigrafia' es va utilitzar inicialment per denotar la impressió d'un artista, a diferència del treball comercial. Ha estat àmpliament utilitzat pels artistes com una tècnica d'elaboració d'obres d'impressió des dels anys cinquanta.

El terme "serigrafia" (la seda es va utilitzar originalment per a la malla) també s'utilitza habitualment per descriure la tècnica, particularment a Amèrica.

​

COLLAGE: El collage descriu tant la tècnica com l'obra d'art resultant en què es disposen trossos de paper, fotografies, teixits i altres ephemeres i es col·loquen sobre una superfície de suport.

El terme collage es deriva del terme francès papiers collés (o découpage), que s'utilitza per descriure tècniques de pastar tallats de paper en diverses superfícies. Va ser usat per primera vegada com a tècnica d'artistes a principis del segle XX.

El collage també pot incloure altres mitjans com ara la pintura i el dibuix, i contenir elements tridimensionals.

​

EAT ART: Experiments en Art i Tecnologia (EE. UU.) Va ser un col·lectiu format el 1967 a Nova York per promoure la col·laboració entre les arts i les noves tecnologies.

El col·lectiu va ser creat pels enginyers Billy Klüver i Fred Waldhauer i els artistes Robert Rauschenberg i Robert Whitman. Durant l'existència del grup, es van realitzar actuacions que van incorporar tecnologia pionera en projecció de vídeo, transmissió de so sense fils i Doppler sonar.

Altres artistes associats amb el grup inclouen Deborah Hay, David Tudor, Yvonne Rainer i Steve Paxton.